Revisando las publicaciones especializadas en música, en la revista británica NME me tope con una foto – galería sobre los  instrumentos más extraños y bizarros del mundo. Sin dudarlo, atraído por la curiosidad característica de todo ser humano, comencé a pasar de una foto a otra y si alguien hubiera estado frente a mí seguramente hubiera captado gestos en mi rostro de asombro, incredulidad y sorpresa por lo que estaba viendo.

Al terminar de observar la galería no pude dejar de pensar si en realidad existían esos instrumentos fantásticos, claro que era obvio que sí existían ya que la revista lo documentaba y por si no fuera solo eso, hasta imágenes presentaba. En fin. Me di a la tarea de investigar un poco más sobre algunos de los instrumentos que presentaban y aquí lo comparto con todos ustedes híbridos ciberlectores.

¿Pueden imaginar sonidos que emergen de una carretera, de un arpa láser o del choque del mar con la costa?

Vas por la carretera y de repente comienzas a sentir que pasas por unos surcos trazados sobre el camino y al mismo tiempo comienzas a escuchar una melodía que surge por el paso de las llantas de tu auto sobre los surcos. Su coche y el asfalto son el instrumento y usted el ejecutante ¿Qué loco no? Los Caminos Musicales o “Musical Roads” surgieron a mediados e los años 90. El primer caso que se conoce fue en 1995 en Dinamarca, cuando dos artistas daneses desarrollaron y crearon lo que se conoce como una “Aspaltophone”. En Japón los caminos con melodía, que a la fecha son tres, fueron producto de un accidente. Shizuo Shinoda, accidentalmente durante unos trabajos sobre la carretera de Hokkaido realizó unos surcos y se percató que dependiendo de la profundidad del surco, éstos generaban diferentes sonidos. El Instituto de Investigaciones Industriales de Hokkaido, refinó el descubrimiento de Shinoda y creó el Camino Melódico o “Melody Road”. Además de Japón y Dinamarca, existen caminos de este tipo en Sudáfrica y en Estados Unidos, donde un auto conducido a 55 millas por hora sobre una calle de Lancaster, California reproduce la “Overtura a Guillermo Tell”, de Rossini.

El mar tiene un sonido bastante característico, al igual que las olas rompiendo sobre piedras o descansando en las playas. Sin embargo en Zadar, Croacia el arquitecto Nikola Bašić como parte del rediseño de la ciudad creó un órgano cuyo sonido es producido por las olas del mar golpeando una de las laderas de la playa. El Órgano de Mar o “Sea Organ”, está construido por tubos colocados a diferentes alturas, escalonados y su sonido es similar al de una harmónica. Fue abierto al público en el año 2005 y un año después obtuvo el Premio Europeo para Espacios Públicos Urbanos.

El arpa es un instrumento musical que existe desde hace siglos, incluso antes de nuestra era. Pero los avances científico – tecnológico vinieron a revolucionar este artesanal instrumento. Popularizado por el músico Jean Michel Jarre, el Arpa Láser es un instrumento electrónico que contiene varios rayos láser, los cuales generan un sonido a la hora que son bloqueados con la mano por el ejecutante. Creado en 1981 por Bernard Szajner para su gira Conciertos en China, el Arpa Láser se ha popularizado y diversos músicos, sobre todo del género electrónico, ya lo utilizan como parte de sus composiciones. 

Otro estilo de arpa más tradicional y acústica es el Arpa de Viento o “Aeolian Harp”, un instrumento que como su nombre lo dice se toca con el viento y con algunos años de antigüedad, cuyos orígenes se remontan nada más que a la antigua Grecia.  Su nombre fue dado en honor al dios Griego del viento, Aeolus y el Arpa de Viento tuvo uno de sus periodos más importantes durante la era romántica.

Diseños de guitarra existen muchos y tan variados como varados son los músicos. Pero en 1997 investigadores de la Universidad de Cornell se volaron la nanobarda al crear el instrumento más pequeño del mundo. Efectivamente una nanoguitarra de silicón cristalino, de seis cuerdas y cuyo tamaño es de 10 micras, es decir no mayor al de una célula.

Es impresionante lo fácil que es crear música cuando se tiene el talento y la creatividad para sacar sonidos de donde menos uno podría imaginar.

Nos leemos la próxima. Comentarios y sugerencias a notashibridas@yahoo.com.mx.

Quien lo dijera, 20 años han pasado. No sé cómo, ni en qué momento pero así pasó, como en un abrir y cerrar de ojos. Para todos aquellos que rondamos (y aquí me balconeo) los treinta… y tantos, nos tocó crecer con bandas como La Maldita Vecindad, Caifanes, La Lupita, Santa Sabina o Café Tacuba, por mencionar solo algunos de los grupos mexicanos. Y es esta última banda la que ha logrado traspasar las barreras del tiempo y de generaciones y este año cumple sus primeros 20 de existencia.

Para celebrarlo la banda de Ciudad Satélite, una región en los límites del Distrito Federal y el Estado de México, tiene programados 20 conciertos en la misma cantidad de ciudades. En tan solo mes y medio, recorrerán toda América Latina y Estados Unidos; para después brincar el Atlántico y presentarse en Inglaterra y España, donde darán por concluida su gira llamada “20 años, 20 ciudades”.

El tour arrancará este 21 de mayo en República de El Salvador y de ahí comenzarán a bajar hacia Sudamérica hasta Argentina; subirán a Puerto Rico, luego Cuba y después de la isla iniciará el recorrido por nuestro país. Al norte se presentarán en Tijuana y Monterrey, en la región del bajío en Guadalajara y León y para la zona central en el Foro Sol de la Ciudad de México, el sábado 13 de junio.

Pero por si no fuera poco, Emmanuel del Real, Rubén Albarrán, Quique Rangel y Joselo Rangel, tiene planeado editar dos libros y una película documental. Uno de los libros, hecho por Rubén y un antiguo colaborador de la banda, Román Martínez, será la historia gráfica de la banda, desde sus primeros y underground pasos hasta su más reciente producción Sino. El otro libro será biográfico a partir de conversaciones con el escritor Enrique Blanc. Finalmente el documental mostrará a la banda en diferentes facetas durante su más reciente gira Sino, por países como Japón, Sudamérica, Estados Unidos y España.

Así es pues que los Tacubos celebrarán el haber traspasado las barreras del tiempo hasta convertirse en la banda de rock mexicano con mayor proyección internacional, con reconocimientos tanto de la crítica especializada como del público y todo sin olvidar las causas sociales de nuestro país que han apoyado siempre, desde los zapatistas hasta conciertos para recaudar fondos para los damnificados de las inundaciones del río Grijalva en Tabasco.

La historia de los Tacubos es como la de cualquier otra banda de garage de nuestro país. A finales de los años 80 cuatro amigos de Satélite se juntaban para hacer taquines en fiestas de fin de semana. De ahí saltaron a tocar en el circuito de bares como El Hijo del Cuervo en Coyoacán y en lugares como El 9, El Tutti Frutti, Rockotitlán y El LUCC, alternando con otras bandas.

Lo peculiar del grupo que lo diferenciaba y lo diferencia de otros, es la carencia de un baterista, para lo cual acudían a la siempre lista caja de ritmos, la cual utilizaron en la mayoría de sus discos, hasta “Cuatro Caminos”, de 2003 donde dejaron descansar la caja de ritmos y utilizaron baterista.

Las tocadas en el circuito rockero de la Ciudad de México continuaron y en 1992 lanzaron su primer disco homónimo, bajo la producción de Gustavo Santaolalla y en el que contaron con la colaboración musical del papá de Emmanuel del Real, quien tocó la trompeta en la canción “Cometer Suicidio”, o de Lino Nava, guitarrista de La Lupita, en “Labios Jaguar” y ”La Chica Banda”.

Dos años después vino “Re”, su segundo material, con melodías igual de creativas que en primer disco y letras juguetonas y de crítica social como en “El fin de la Infancia” o “Trópico de Cáncer”. Entre 1992 y 1999 cuando editaron el disco doble “Revés / Yo Soy”, que es de lo mejor en la discografía del cuarteto, grabaron el EP “Avalancha de Éxitos”, que contiene covers a distintas canciones como “Alarmala de Tos” de La Botellita de Jerez; “Chilanga Banda”, de Jaime López; y “Ojalá que Llueva Café”, de Juan Lius Guerra y su 4:40.

La nueva década fue de exploraciones y en 2002 lanzaron otro EP llamado “Vale Callampa”, donde coverearon cuatro canciones de la banda chilena Los Tres. Un año después salió “Cuatro Caminos”, primer disco del grupo en el que utilizaron baterista en estudio y en el que participó otro productor diferente a Santaolalla, Dave Fridmann, productor de The Flaming Lips.

Su última y más reciente producción “Sino”, no es la menos afortuna de toda su discografía, carente de creatividad y propuesta musical, en algunos tracks suenan a su anterior disco “Cuatro Caminos”. Posiblemente me gane la animadversión de los fans (créanme soy uno), pero siendo objetivos es un disco lamentable, con algunos destellos. Sin embargo, como Café Tacuba no hay otro grupo en la escena rockera nacional. A lo largo de estos 20 años ninguna banda ha surgido con la fuerza y creatividad que han acompañado a los satelucos en su largo camino.

Nos leemos la próxima. Comentarios y sugerencias a notashibridas@yahoo.com.mx.

Ya hace demasiado tiempo que no me emociono ni escuchando, ni creando música, ni tampoco escribiéndola, ni siquiera haciendo rock n’ roll… No puedo soportar la idea de que Frances (su hija) se convierta en una rockera siniestra, miserable y autodestructiva como en lo que me he convertido yo… Soy una criatura voluble y lunática. Se me ha acabado la pasión, y recordad que es mejor quemarse que apagarse lentamente. Paz, amor y comprensión. Kurt Cobain (Fragmentos de su carta suicida)

A finales de los años noventa se comenzaba a establecer una nueva etapa en la historia del rock, que se venía gestando desde principios y mediados de los años ochenta. El rock universitario (llamado de esta forma porque las únicas estaciones de radio que lo transmitían eran justamente las universitarias), que a la fecha se conoce como rock alternativo vio en grupos como R.E.M., Sonic Youth, Husker Du o The Replacements, a sus primeros exponentes. A finales de los años 80 en Seattle, Washington, Alice in Chains o Mudhoney daban pie a un nuevo género de rock, en marcado en la corriente independiente, el grounge.

Por esas misas fechas un joven de Aberdeen, Washington con problemas familiares y monetarios buscaba en la música una salida a todos sus problemas. Kurt Cobain había sido un niño hiperactivo y sus padres lo habían tratado con el medicamento ritalín para que lograra concentrarse en la escuela y con tranquilizantes por la noche para que pudiera dormir.

El pasado domingo 5 de abril se cumplieron 15 años que el líder de la banda Nirvana, a sus 27 años de edad, igual que leyendas del rock como Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison o el bluesista Robert Johnson, falleciera al suicidarse con la bala de una escopeta, dejando detrás proyectos inconclusos, una hija, y a toda una generación, la Generación X, sin su vocero principal.

Kurt, nacido en 1967, creció en Aberdeen, Washington con dificultades familiares tras el divorcio de sus padres cuando el tenía siete años de edad. Un tiempo vivió en casa de su madre y otro más con su padre. A los catorce años adquirió una guitarra y comenzó a tocar a sus grupos favoritos, entre ellos los Beatles, Kiss o Black Sabbath. A unos meses de concluir sus estudios medios, tuvo que abandonar la escuela para conseguir un trabajo, el cual fue de barrendero en la misma preparatoria en la que hasta unos días antes asistía como estudiante. 

En 1986 Kurt conoció a Krist Novoselic, con quien compartía similares historias de vida. Juntos decidieron formar un grupo que tuvo rotación de bateristas, hasta que un año después con Chad Channing quedó la primera alineación de Nirvana. Se dice que algunos nombres pensados por Kurt para el grupo eran “Pooh Pooh Box”, “Spinibifidia”, o “Whiskerbiscuit”, finalmente se decidió por Nirvana. En 1989, con 600 dólares, se grabó su primer disco bajo el sello de Sub Pop, una disquera independiente de Seattle. Bleach, producido por Jack Endino, catapultó al grupo a una mayor audiencia, sin embargo aun faltaba por venir el mayor éxito de la banda y con ello la caída de Kurt en un ciclo de depresión y drogadicción.

Chad fue sustituido en la batería por Dave Grohl y en 1991 lanzaron uno de los mejores discos de la década de los 90 Nevermind, inspirado en gran medida en el sonido de Pixies, un grupo de Boston considerado los héroes olvidados del rock alternativo. Bajo la producción de Butch Vig, ex integrante del grupo Garbage, el disco fue grabado con una disquera comercial, pese a la reticencia de Kurt por estar en contra del mainstream. Con Nevermind Nirvana alcanzó un fenómeno similar a la betlemania.

Desde finales de 1993, cuando se grabó el Unplugged para MTV, Kurt venía arrastrando varias incursiones al hospital por su problema de drogadicción. Durante su gira por Europa en los primeros meses de 1994 tuvo que ser internado de emergencia, se mantuvo en estado de coma durante tres días, salió del hospital por su propio pie y regresó a Estados Unidos, donde desapareció durante seis días, hasta que lo encontraron muerto.

Por esas fechas se hablaba de una posible y esperada colaboración entre R.E.M. y Nirvana, sin embargo la prematura muerte de Kurt lo impidió. El propio Michael Stipe, vocalista de R.E.M., ha dicho que para ayudar a Kurt había creado un proyecto para que lo trabajaran juntos, pero tampoco se desarrolló.

La corta carrera musical de Kurt Cobain, cuatro años, tres discos de estudio y un disco en vivo grabado para la cadena de videos MTV, fue suficiente para que su legado se convirtiera en uno de los más importantes en la historia del rock.

En la actualidad Dave Grohl es líder de la banda Foo Fighters, Krist Novoselic, trató de seguir haciendo música e hizo carrera en la política; y a la fecha la pregunta sigue en el aire, que hubiera sido si Kurt no hubiera muerto, ¿Sería el icono que ahora es?, ¿Su trascendencia sería la que es? ¿Qué sería del grounge?, ¿Kurt sería activista?, ¿Cómo sería en la era del Internet y del Ipod? Toda respuesta solo sería un ejercicio de narrativa y ficción.

Nos leemos la próxima. Comentarios y sugerencias a notashibridas@yahoo.com.mx.